音乐垂类包括什么(音乐垂类什么意思)

　　一般提到西方音乐发展史音乐垂类包括什么，主要讲的是以欧洲为核心的“古典音乐”发展史，因此，本文开篇前，我们要先来看看，什么叫古典音乐。

　　CLASSICAL MUSIC，中文翻译成“古典音乐”。有人认为”古典”给人的感觉有古董、古板的味道，所以改称为“经典音乐”。

　　也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义，in traditional and serious style，而称其为“严肃音乐”。于是，“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子，让人更不敢靠近。

　　但下这种定义的人未免有些片面，因为 serious 的第二解释是：( 指书、音乐等）启发思考的，不仅为消遣的。这样看来，古典音乐不同于流行音乐的地方，是它能发人深思，且免于低俗。

　　再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释：music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。

　　好了，接下来让我们正式进入西方音乐史。

1. 古希腊罗马时期 | 公元前3200年~公元400年

　　古希腊的音乐的起源，是同神的崇拜和神话传说联系在一起的。“Music”一词源于“Muse”，在古希腊神话中缪斯（Muse）是掌管艺术的女神。

　　著名的神阿波罗、雅典娜、狄俄尼索斯等都是艺术之神，传说音乐就是由他们所创造的。古希腊音乐在宗教活动中的运用极为普遍，也发挥着重要的作用。

　　这部分的音乐资料主要从发掘的绘画、雕塑及流传下来的诗歌文学与哲学著作中了解，但几乎是不可能聆听与欣赏的。

　　有资料统计这一阶段残存下来的乐谱还不到 10 件，被后人视为西方音乐之源。

　　古希腊的乐器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它们传说是由不同的神发明和拥有的，因此常常与不同的神崇拜相联系。

　　里拉琴是一种弦乐器，多用于独唱伴奏，史诗弹唱，常与阿波罗崇拜联系，是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。

里拉琴

　　阿夫洛斯管是一种管乐器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的仪式中。

阿夫洛斯管

　　公元前776年，古代奥林匹克运动会开始举行，在比赛时常伴有音乐，后来产生了音乐比赛。公元前7世纪 ~ 前6世纪，斯巴达把音乐作为国事活动与教育的重要手段，使音乐得到了进一步的发展。公元前146年后，古罗马征服希腊后，它的文化主要受益于希腊，同时又吸收了叙利亚 、巴比伦 、埃及等国的文明成果。

2. 中世纪时期 | 1450年前

　　大约从公元5世纪开始到14世纪，是西方音乐历史上的最漫长的中世纪时期。中世纪的音乐主要是基督教宗教音乐，世俗的民间音乐不被重视。

　　这一时期主要是罗马天主教会所保存的，在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。主要表现为教堂音乐（Church Music）。一般为几个声部一起唱的合唱形式。旋律起伏小，速度稳定不变。

　　这时期广泛传播的是教堂礼拜歌唱的圣咏、赞美诗，大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。

　　这个时期的代表：格利高里圣咏 (GREGORIAN CHANT)。格利高利圣咏共有8种调式，歌词来自于圣经。是一种没有固定节拍、无伴奏的单声部歌曲。

　　传统上，格里高利圣咏由男人或男孩组成的唱诗班在教堂中演唱，女孩是不能进入唱诗班的。我们知道的巴赫，小的时候就是在唱诗班中表演。

　　至今已知的格利高利圣咏大约有三千首之多，它们在多年的口头传唱后，直到9世纪才被记下谱来，成为西方音乐文化遗产中的一批古老的珍奥。同时也是西方艺术音乐发展的一个重要基础。

格里高利圣咏

　　我们将会看到，正是从这些单音部的圣咏中，逐渐孕育和发展出一种丰富的复调音乐的传统。对后来西方音乐的发展 (尤其是17世纪之前的音乐) 产生了很大的影响。因此，格利高利圣咏的历史意义是深远的。

3. 文艺复兴时期 | 1450 ~1600

　　这一时期更加追求人性的解放，与对人的内心情感的抒发与表达。 这时的音乐家对复调音乐进行了发展和变革， 声乐与器乐逐渐分离而独立发展。

　　音乐作品开始运用音阶中所有的半音，使旋律更接近歌词的语调和表达的情感，但是没有渐强和渐弱。和声纵向以三和弦及六和弦为主，并形成以相同音色为美的观念。

　　这一时期五线谱已得到完善， 印刷术也运用到曲谱上，这都使音乐的传播更加便利和广泛。几个较有影响力的乐派包括：

　　尼德兰乐派：主要音乐活动在低地国家的一批音乐家，大致在法国北部、比利时和荷兰等欧洲北方地区。 创作内容多为弥散曲与经文歌等宗教音乐，也有世俗音乐。 代表人物有迪费 、 若斯坎 、 班舒瓦 、 奥克冈等。

奥克冈与唱诗班

　　威尼斯乐派：在 1530-1620 年间的一个器乐乐派，其特点是音响气势宽广宏大、对比效果鲜明。 创作内容有铜管乐与弦乐的重奏曲、管风琴的前奏曲、幻想曲与托卡塔等。 代表人物有维拉尔特 、A.加布里埃利等。

　　罗马乐派：此时期的一个专门创作服务于宗教作品的乐派，以无伴奏合唱的形式为主。 代表人物有帕莱斯特里纳 、 GM纳尼诺 、 F.索里亚诺等。

帕莱斯特里纳

4. 巴洛克时期 | 1600 ~1750

　　歌剧的诞生和器乐曲的发展标志着巴洛克时期新风格的确立，一直持续到巴赫的去世。“巴洛克（Baroque）”一词来自葡萄牙语，原意为形状不规则的珍珠，原来是用于建筑、美术领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域。

　　歌剧的诞生：歌剧是一种用音乐来表现的戏剧，它的前身可以追溯到古希腊时代的悲剧、中世纪的教仪剧、神秘剧等。

　　器乐的发展：巴洛克时期的器乐上升到了一个新的突出地位，形成了这一时期声乐、器乐、歌剧三足鼎立的局面，器乐第一次与声乐处在了平等的地位。

　　这一时期，声乐和器乐作为音乐的两大分支互相补充、互相影响；复调音乐风格逐渐向主调风格转移；大小调式运用增多，和声概念建立；大量新的音乐体裁涌现；管风琴、大键琴音乐逐步兴起。

　　这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性：华丽、复杂、藻饰、扭曲，著重于超现实和雄伟宏奇。这些特质都能彼此融会贯通。

巴赫

　　如果说文艺复兴时代 ( 以及后来的古典时代 ) 代表著井然的秩序和澄澈的表现， 那么巴洛克时代 ( 以及后来的浪漫时代 ) 就是代表著骚动、不安和疑虑。

　　四声部的和声，以及加上文字指示和弦的「数字低音」 (figured bass) 都产生于巴洛克时代。旧有的教会调式消逝，大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起，是巴洛克时代大事。

　　维瓦尔第

　　节奏思想也在这个时代萌芽，也就是在音乐曲谱中加入小节线。音乐有了强弱和渐慢的表现。

　　这些形式直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式–如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿 (古幻想曲)。

亨德尔

　　当然了，巴洛克时期的大师们（巴赫，亨德尔，维瓦尔第，科雷利等）和他们的作品也是不能忘记的。

5. 古典主义时期 | 1750 ~1827

　　“古典主义”时期是指大约 1750年开始至 1827年贝多芬逝世为止，这一时期的音乐。所谓“古典”，原是指古希腊和古罗马的“经典的古代”，后来的人们企图恢复和借鉴那个时代的文化精华。

　　事实上，巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调风格，所以就进入了古典主义时期。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。

　　这一时期音乐中大小调体系充分发展，旋律成为重要的织体，低音和声起伴奏作用、音乐结构方整、有主题动机发展，力度安排更加丰富。

　　海顿

　　古典主义初期，音乐是贵族们生活享受的重要内容，宫廷和沙龙是音乐活动中心。而到后期，音乐艺术的欣赏不再局限于上层，艺术的大众化为音乐家提供了成为独立艺术家的条件。

　　海顿、莫扎特、贝多芬三人都在 18 世纪 80 年代到 19 世纪 20 年代在维也纳活动，所以也称他们为“维也纳乐派”。他们都是运用奏鸣曲形式的大师，写出了奏鸣曲、交响曲、四重奏这类体裁的不朽佳作。他们也都致力于主题的展开以及利用调性的配置来给抽象的形式注入细致微妙的表情。

　　莫扎特

　　歌剧虽然是古典派音乐中的重要部分，但从整体来看，古典派音乐的特色在于器乐方面，特别体现在奏鸣曲和交响曲形式的音乐上。曼海姆乐派的室内乐和交响乐不仅影响了维也纳乐派，而且对波恩时代的少年贝多芬也产生了直接的影响。

贝多芬

　　奏鸣曲是古典派音乐中极富代表性的形式，它的呈示部中有第一、第二主题的对比，中间出现发展部，然后是两个主题反复的再现部。

　　曼海姆乐派当时已经具有了相当完整的奏鸣曲形式，他们还在交响乐中加入小步舞曲乐章。这个乐派的交响乐配器中，木管乐器也采用了双管编制。莫扎特在自己的交响乐中加用单簧管，也是受了曼海姆乐派的影响。

6. 浪漫主义时期 | 1820 ~1900

　　在 1827 年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法。这个时期被称为“浪漫主义”。

　　一般音乐史把浪漫主义分为：

　　早期（19世纪10—20年代）：韦伯、舒伯特；

　　盛期（30—40年代）：柏辽兹、门德尔松、舒曼、肖邦；

　　中后期（40—80年代）：李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯；

　　晚期（19世纪90年代到20世纪初）：布鲁克纳、马勒、理夏德·施特劳斯。

　　其间还穿插了法国、意大利歌剧，以及与此相并行或独立的欧洲各民族乐派的线索。

　　浪漫主义精神是对古典主义限制的反抗，旋律的抒情性大大加强，和声是重要的表现手段，加强了色彩的变化。乐器组合、强弱对比、速度缓急变化等更加多样且丰富自由。

　　这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。当时的帕格尼尼、李斯特、肖邦等就是那时红极一时的演奏家。

肖邦

　　这个时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有：舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；肖邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二号；华格纳歌剧序曲集；布拉姆斯交响曲第一、三号；柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号；拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》；拉罗《西班牙交响曲》；拉威尔钢琴协奏曲G大调。

格里格

　　在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，不得不提到拉赫马尼诺夫、马勒等作曲家。他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了像马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。

　　再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用。

7. 民族主义音乐时期 | 19世纪中 ~20世纪中

　　民族主义乐派 ，是广义西方古典音乐的一支，但没有明确的定义和共同的风格，经常被视为浪漫乐派或现代乐派的分支。

　　大致就是指会在古典音乐的曲式中，使用了本国的民间音乐旋律和特别的乐器 ，并通常宣扬爱国主义或民族主义。

　　柴可夫斯基

　　一般认为十九世纪中前期，西方音乐的传统心脏的德语和义大利地区以外的欧洲和美洲国家，作曲家需要属于本地的音声。 反之德语或义语的作曲家即使用民间音乐素材，仍然只是会被认为浪漫主义音乐 ，如小约翰·施特劳斯的圆舞曲原型虽然来自民间，却被当时的维也纳视为国际性的艺术。

捷克民族乐派的创始人：斯美塔那

　　在十九世纪后期其他欧洲国家也产生了自己国民乐派作曲家和作品，如英国的埃尔加的<威风凛凛进行曲>，捷克的斯美塔那的< 我的祖国 >。 还有一些作曲家为自己尚末被认可为国家的故乡，创作鼓吹独立的作品，如芬兰的西贝流士的芬兰颂 ，挪威的格里格的皮尔金组曲等。

　　到二十世纪中后期起，欧美国民乐派渐趋于沉寂，但在古典乐传统地区外的亚洲，却有新型的国民乐派作品面世，如中国的冼星海的黄河大合唱 ， 何占豪和陈钢的梁祝小提琴协奏曲等，代表了欧美以外的民族主义兴起。

8. 现代音乐时期 | 1900年至今

　　现代音乐 ，也称现代古典音乐 （ 20th century classical music )，是指自1900年起至今，继承欧洲古典音乐而来的一个音乐纪元 ， 音乐门派繁多，风格多样。这样的局面就挖掘出了音乐中的许多可能性，扩大调性概念，重视调式的表现力，减弱和声的功能性，打破规整的原则等。

　　这一时期的音乐，调性不明白，和弦不明晰，旋律也很难唱出，总之很模糊就对了。

　　印象乐派代表作曲家：德彪西

　　在此之前，现代音乐有两大源流：古斯塔夫·马勒和理察·施特劳斯的后浪漫乐派 、以及德彪西的印象乐派。

　　到了二十世纪六七十年代，更出现了当代音乐包括了如布列兹的序列音乐 、 极简音乐 ，Steve Reich 和 Philip Glass 使用简单三音和弦，Pierre Schaeffer 的具体音乐 ，Harry Partch、Alois Hába和其他人的微分音音乐 ，还有约翰·凯吉的机遇音乐 。

斯特拉文斯基

　　补充说明的是，文章所提到的音乐家在一个方面做出贡献，并不代表他只在该领域发挥。例如斯特拉文斯基在他作曲家生涯的不同时期，他同时被认为是浪漫乐派、新古典主义、以及序列音乐的成员。

　　最后，回答很多朋友都在问的问题，就是古典音乐应该怎么欣赏音乐垂类包括什么？其实，于我看来，不管欣赏任何一位作曲家、任何一种乐器、任何一种形式的音乐，关键点都是听熟两个字，听熟了，音乐的味道才会出来。

– THE END –

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